Ich habe einen Disneyfilm geguckt, in dem ein Eisverkäufer auftauchte - auf seinem Truck stand „44Flavors". Den Namen hab ich mir notiert, und er hat einfach gepasst. Jahre später haben wir in New York die Eistrucks fotografiert und daraus eine Illustration gemacht. Den Namen haben wir einfach behalten.

Es ist wie Ping Pong – einer macht etwas, der andere reagiert darauf. Ich komme aus der Malerei, Sebastian aus Grafik und Typografie. Wir arbeiten mit dem, was wir das „Alphabet der Form" nennen – eine Bildsprache, die sich durch alle unsere Arbeiten zieht. Diese Formen besprechen wir gemeinsam, nehmen sie auseinander und kombinieren sie neu.

Der Bogen zum Beispiel taucht immer wieder auf – er kann eine Brücke sein, ein Durchblick, ein Übergang oder eine Schwelle (ebenfalls ein Ausgangspunkt dieser Ausstellung). Er ist wie ein Wort oder ein Zeichen, das wir beide kennen und mit dem wir agieren und kommunizieren können. Wenn ich ältere Arbeiten sehe, verstehe ich sofort, was der andere damit gemeint hat – und daraus entsteht vielleicht eine Skulptur, oder ich denke die Form ganz neu und baue daraus etwas Neues.

Das Boot war schon sehr speziell – ein altes Transportboot aus Hamburg ohne eigenen Motor, ständig in Bewegung. Und eine schwimmende Festivalbühne im Wattenmeer, weil Musik eine große Inspirationsquelle für uns ist.

Ein Raumschiff wäre toll – auch wenn derjenige, der sie baut, wahrscheinlich keine Aufträge annimmt. Aber ein Heißluftballon würde uns auch reizen: die Materialität ist total spannend, der Stoff hat einen schönen Faltenwurf – und wenn der sich dann zusammensetzt und die Malerei sich mit ihm faltet, entsteht wieder etwas ganz Neues.

Reisen ist für uns keine bloße Ortsveränderung, sondern eine Methode – ein erweitertes Atelier ohne feste Wände. Das Verlassen der vertrauten Umgebung schärft unsere Wahrnehmung und intensiviert Begegnungen. Unsere Arbeiten entstehen im direkten Dialog mit dem Ort – nicht im Voraus, sondern vor Ort, im Zusammenspiel mit Architektur, Geschichte und sozialer Energie. Dieses Action-Reaction-Prinzip hilft uns, verborgene Potenziale sichtbar zu machen. Der Austausch mit Menschen und anderen Künstler*innen ist dabei zentral – er prägt unsere Praxis, die seit jeher kollektiv gedacht ist.

Was wir hinterlassen, sind keine abgeschlossenen Objekte, sondern offene Interventionen – temporäre Fenster in andere Sphären. Materialien verändern sich, Spuren verwittern, und oft bleibt weniger ein Werk als die Erinnerung an einen Moment, eine Begegnung, einen Prozess. Unsere Haltung ist von Offenheit geprägt: Die Arbeit passt sich dem Ort an, nicht umgekehrt.
Reisen bedeutet auch Verantwortung – Orte nicht zu konsumieren, sondern ihnen mit Respekt zu begegnen und etwas zu hinterlassen, das verbindet, ohne zu überlagern.

Wir könnten die Oberflächen bearbeiten und veränderbare Skulpturen entstehen lassen - das geometrische System ist sehr dankbar dafür. Und der spielerische Aspekt hat eine Parallele zu unserer Arbeit: Wir planen präzise, aber entscheiden vieles erst vor Ort. Spannend wäre es ebenfalls, die Cubes als Sockel auf verschiedenen Ebenen einzusetzen - um Arbeiten in den Raum zu heben, statt sie flach zu präsentieren.